Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период


Скачать 132.4 Kb.
НазваниеАмпи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период
Дата публикации09.04.2013
Размер132.4 Kb.
ТипДокументы
userdocs.ru > Культура > Документы

Ампи́р (от фр. empire style — «имперский стиль») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями
Зарождение

Стиль ампир является завершающим этапом классицизма, возникшего во второй половине XVIII века. Во Франции эпохи Наполеона Бонапарта произошло перерождение классицизма в насаждающийся сверху, официальный имперский стиль, сущность которого нашла отражение в его названии (от фр. empire — «империя»). Стиль получил распространение во многих европейских государствах и активно развивался на протяжении трёх первых десятилетий XIX века.

В императорской Франции ампир отличала торжественность и парадность мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров, созданных придворными архитекторами Наполеона Шарлем Персье и Пьером Фонтеном.

В России

В Российской империи этот стиль появился при Александре I. Приглашение архитекторов-иностранцев на Руси было частым явлением, поскольку среди титулованых особ это было модно, а в начале XIX века в России существовало увлечение французской культурой. Для возведения Исакиевского собора Александр I пригласил начинающего французского архитектора Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана, впоследствии ставшего одним из основоположников «русского ампира».

Русский ампир получил разделение на московский и петербургский, причем такое деление определялось не столько территориальным признаком, сколько степенью отрыва от классицизма — московский стоял к нему ближе. Наиболее известным представителем петербургского направления ампира стал архитектор Карл Росси, среди других представителей этого стиля принято называть архитекторов Андреяна Захарова, Андрея Воронихина, Осипа Бове, Доменико Жилярди, Василия Стасова, скульпторов Ивана Мартоса, Феодосия Щедрина. В России ампир главенствовал в архитектуре до 1830—1840 гг.

Возрождение ампира в перерождённых формах произошло в России в советское время, в период от середины 1930-х до середины 1950-х годов. Данное направление ампира также известно как «сталинский ампир».

Ампир относится к так называемым «королевским стилям», которые можно характеризовать театральностью в оформлении архитектурных построек и внутренних интерьеров. Особенность архитектурного ампира заключается в обязательном наличии колонн, пилястров, лепных карнизов и других классических элементов, а также мотивов, репродуцирующих практически без изменений античные образцы скульптуры, подобные грифонам, сфинксам, львиным лапам и тому подобным скульптурным конструкциям. Данные элементы располагаются в ампире упорядоченно, с соблюдением равновесия и симметрии. Художественный замысел стиля с его массивными лапидарными и монументальными формами, а также богатым декорированием, содержанием элементов военной символики, прямым влиянием художественных форм прежде всего Римской империи, а также Древней Греции и даже Древнего Египта, был призван подчёркивать и воплощать идеи могущества власти и государства, наличия сильной армии


Бенвену́то Челли́ни 3 ноября 1500, Флоренция — 13 февраля 1571, Флоренция) — выдающийся итальянский скульптор, ювелир, живописец, воин и музыкант эпохи Ренессанса.

Во Франции мастер освоил технику бронзового литья, и с этой поры начал выполнять крупные скульптурные заказы. С 1545 по 1553 годы Челлини находился на службе у герцога Козимо I Медичи во Флоренции, где создал знаменитую статую Персея, держащего голову Медузы-Горгоны. Здесь он исполнил и ряд других скульптур, реставрировал античные произведения.

Книга «Жизнь Бенвенуто, сына маэстро Джованни Челлини, флорентийца, написанная им самим во Флоренции» является одним из самых замечательных произведений литературы XVI в. Бенвенуто Челлини начал писать автобиографию в 1558 году, однако большая часть рукописи написана рукой 14-летнего мальчика, секретаря Челлини, и ещё несколько страниц выполнено другой рукой. Хроника доходит до 1562 года. В XVIII веке после разнообразных приключений, рукопись пропала. В 1805 году она была найдена в одной из книжных лавок во Флоренции и передана в библиотеку Лауренциана, где находится и по сей день. Первое печатное издание появилось в Неаполе в 1728 году.

Жизнь Бенвенуто Челлини написана в той литературной манере, которую можно назвать популярной, и этим отличается от таких произведений, как «Исповедь блаженного Августина» или «Исповедь Руссо». На страницах своей книги Бенвенуто Челлини не высказал никаких новых идей; он описал свои приключения, мысли и чувства с откровенностью, не характерной для жанра автобиографии предшествующего времени, и сделал это богатым разговорным языком, который очень убедительно передает ход мысли и переживания человека.

Современники высоко ценили Челлини как ремесленника, относительно же его художественного дарования мнения разделились; однако, несмотря на это, он представлял скульпторов на торжественной церемонии погребения Микеланджело. Варки и Вазари с похвалой отзывались о его таланте ювелира. Вазари, например, писал, что Челлини — непревзойденный мастер медальерного искусства, превосходящий даже древних, и величайший ювелир своего времени, а также замечательный скульптор. Из созданных им произведений ювелирного искусства сохранилось немногое: солонка Франциска I (1540—1543, Вена, Художественно-исторический музей), медали и монеты, сделанные для папы Климента VII и Алессандро Медичи, а также эскизы декоративной застежки для облачений Климента VII.

Книга «Жизнь Бенвенуто, сына маэстро Джованни Челлини, флорентийца, написанная им самим во Флоренции» является одним из самых замечательных произведений литературы XVI в. Бенвенуто Челлини начал писать автобиографию в 1558 году, однако большая часть рукописи написана рукой 14-летнего мальчика, секретаря Челлини, и ещё несколько страниц выполнено другой рукой. Хроника доходит до 1562 года. В XVIII веке после разнообразных приключений, рукопись пропала. В 1805 году она была найдена в одной из книжных лавок во Флоренции и передана в библиотеку Лауренциана, где находится и по сей день. Первое печатное издание появилось в Неаполе в 1728 году.

Жизнь Бенвенуто Челлини написана в той литературной манере, которую можно назвать популярной, и этим отличается от таких произведений, как «Исповедь блаженного Августина» или «Исповедь Руссо». На страницах своей книги Бенвенуто Челлини не высказал никаких новых идей; он описал свои приключения, мысли и чувства с откровенностью, не характерной для жанра автобиографии предшествующего времени, и сделал это богатым разговорным языком, который очень убедительно передает ход мысли и переживания человека.

Современники высоко ценили Челлини как ремесленника, относительно же его художественного дарования мнения разделились; однако, несмотря на это, он представлял скульпторов на торжественной церемонии погребения Микеланджело. Варки и Вазари с похвалой отзывались о его таланте ювелира. Вазари, например, писал, что Челлини — непревзойденный мастер медальерного искусства, превосходящий даже древних, и величайший ювелир своего времени, а также замечательный скульптор. Из созданных им произведений ювелирного искусства сохранилось немногое: солонка Франциска I (1540—1543, Вена, Художественно-исторический музей), медали и монеты, сделанные для папы Климента VII и Алессандро Медичи, а также эскизы декоративной застежки для облачений Климента VII.

«Сальера» (1543).

Место Челлини в истории искусств определяется прежде всего его работами в области скульптуры. Его творчество оказало влияние на развитие маньеризма. Наиболее значительное из его произведений, созданных во время пребывания во Франции, — бронзовый рельеф Нимфа Фонтенбло (до 1545, Лувр). Из сохранившихся произведений, выполненных им по возвращении во Флоренцию: Персей (1545—1553, Флоренция, Лоджия деи Ланци), статуэтка Борзая (1545—1546, Флоренция, Барджелло); бюст Козимо Медичи (1545—1548, там же); Ганимед (1548—1550); Аполлон и Гиацинт; Нарцисс (все во Флоренции); бюст Биндо Альтовити; Распятие (ок. 1562, Эскориал).

«Челлини рассказывает в своей автобиографии о том, как папа заказал драгоценное украшение, в которое должен был быть вставлен прекрасный бриллиант. Все соперничающие мастера делали различные фигуры и среди них вставили камень; только Челлини пришло в голову использовать бриллиант так, чтобы ввязать его в композицию с мотивировкой: он сделал из этого камня престол для Бога-отца, вычеканенного на рельефе». (Виктор Шкловский в книге «Гамбургский счёт»)

Автобиография Бенвенуто Челлини вдохновила Александра Дюма на создание романа «Асканио» — где описывается период жизни Бенвенуто Челлини во Франции, в который Дюма-отец, искусно вплетает историю любви подмастерья Асканио к дочке парижского прево — Коломбе.

В 16 и 17 веках испанское стекло выдает связь с Венецией и мусульманское влияние, что заметно на всех ремеслах и искусствах этой страны. Вначале был общепринятым характерный стиль, который позволяет легко отличить испанское стекло от любого другого. Король Фердинанд и его супруга Изабелла были увлеченными собирателями венецианского стекла, и это навело их на мысль создать собственное производство. Действительно, считалось, что к началу 16 века Барселона успешно конкурировала с Венецией. Небольшое число особым образом эмалированных изделий середины 16 века сохранилось до наших дней. Формы часто своеобразны, так же, как и роспись эмалями. Узкие, уплощенные бутыли смутно напоминают дорожные фляги, но выдают мусульманские мотивы. Орнамент всегда лиственный, с тщательно выписанными, но упрощенными фрагментами из человеческих тел, птиц, кипарисов и стилизованных листьев в основном светло-зеленого, желтого и белого цвета. В 17 веке каталонское производство начало соединять венецианские технологии типа филиграни с каталонскими формами - порроном и кантиром, сосуды для вина и альморраткса, многочисленные горлышки которых предназначались для окропления розовой водой. Горлышки и рукоятки часто украшались искусной работой щипчиками, наплавливанием и кольцами, наверное, под венецианским влиянием, но в чем-то больше напоминающие традиционные сирийские узоры. Другие центры производства стекла, особенно в Южной Испании, похоже, не пытались изготавливать хрусталь в венецианском стиле и занимались в основном выпуском зеленоватых изделий местных форм.

Германия и центральная Европа.

Венецианское стекло сосредоточивалось в основном в городских центрах. Однако со средневековых времен обширные пространства лесов Центральной Европы и Скандинавии такие, как Франкония, Фихтельгебирге и Райсенгебирге (на границе Богемии и Силезии), Лорейн, Тюрингия, Шпессарт и долины Мааса и Самбры, способствовали возникновению центров по производству стекла в этих районах с легкодоступными природными ресурсами.

Так как использование стекла в домашнем хозяйстве достигло очень больших размеров, феодалы, особенно в Богемии, помогали таким мастерам-стеклодувам, как Пресслеры и Шуреры, основывать стеклодувные мастерские на их земле. Соглашение обычно предусматривало передачу определенного процента от прибыли и части продукции землевладельцу. Вскоре местные стеклянные изделия самых различных форм стали производиться тысячами. Они варьировались от массовых ремеров, изготовлявшихся в бассейне Рейна и Шпессарте, до претенциозных ангстеров 17 века. Цвет некоторых изделий, вначале бесспорно обусловленный лишь наличием неотделимых примесей, к 17 веку стал желательным атрибутом.






Во-вторых, при создании художественных изделий из металла особое внимание уделялось связи их с архитектурой здания или ансамбля окружения. Этого требовали принципы классицизма, их иерархичность — соподчиненность второстепенных элементов главным, ведущим в данном здании или группе зданий.

Сами изделия, если они имели протяженность по фасаду, создавались на основе ритмических построений. Ритмика проходит красной нитью почти через исе ограждения классицизма. В-третьих, излюбленный композиционный прием — симметрия и стремление к геометрически правильным формам.

Классицизм не искал особенно усложненных решений; выверенная простота, пропорциональность и модульность — вот идеал стиля. Однако при всей скромности декора многих оград и решеток обращает на себя внимание удивительная тщательность проработки деталей. Так, например, строгий ряд копий чугунной ограды Провиантских складов (арх. В. И. Стасов) имеет тонко прочеканенные сложные навершия, состоящие из граненого ромбического наконечника и кисти ИЗ крученых шнуров.

И в-четвертых, повторяемость оград и решеток классицизма (своего рода типизация) имеет особенности чаще всего, повторяется основной рисунок решетки, но, как правило, с какими-нибудь изменениями. Наиболее ярким примером могут быть решетки с переплетающимися | кольцами. Их много на улицах Москвы, но почти нет одинаковых, а если и есть, то это позднейшие реставрации.

Какие композиционные приемы чаше всего использовались в оградах и решетках периода классицизма в Москве? Наиболее характерно применение гладких прутьев с геометрическими фигурами в качестве элементов орнамента. Прямоугольники, окружности и меандр (орнамент, состоящий из ломаной прямой) — излюбленные мотивы классических оград, перил лестниц и ограждений балконов. Из растительных форм чаще всего изображался лавр в виде венков с лентами. В художественном металле классицизма встречаются изображения лиры, театральных масок, светильников, ликторских пучков прутьев с секирами, щитов, мечей, шлемов ит. д.



Жан-Луи-Эрнест Месонье (21 января 1815, Лион — 21 февраля 1891, Париж) — французский живописец.

Родился в бедном семействе в 1815 г. в Лионе, очень рано выказал любовь и редкую способность к искусству. Явившись 19 лет от роду в Париж, развивал свой талант копированием картин старинных живописцев в Луврской галерее, преимущественно голландских мастеров, и короткое время учился у Л. Конье, но вообще образовался сам, не подвергшись влиянию ни одного из корифеев тогдашней французской живописи. Похоронен в Пуасси (департамент Ивелин), где был мэром с 1846 года.

Вначале, чтобы добывать себе средства к жизни, Месонье занимался рисованием иллюстраций к разным книгам, например к Библии, «Всеобщей истории» Боссюэ, «Неистовому Роланду» Ариосто, романам Бернардена де Сен-Пьера, и уже в этих работах выказал легкость, с какой давалась ему композиция, основательное знакомство с натурой и изящную законченность исполнения.

Принявшись потом за кисти и краски, стал писать картины в духе старинных голландцев, по большей части незначительного размера, изображающие домашние сцены, преимущественно с фигурами в костюмах прошедшего столетия, и отличающиеся превосходной характеристикой, мастерским рисунком, удивительной тонкостью и, вместе с тем, сочностью кисти, но в которых стремление художника блистать совершенством техники преобладает над идеей и серьёзностью содержания.

Одна из первых картин Месонье (писанных чаще всего на дереве)

«Игра в шахматы» (1841)

сразу выдвинула его из ряда французских живописцев. Продолжая, в последующих картинах брать сюжеты из интимного быта старых времен Франции, довольствуясь попрежнему композициями из одной или из немногих фигур и не пускаясь ни в передачу сильных душевных движений, ни в комизм, он все выше и выше развивал свою технику и благодаря ей приобретал все большую и большую славу. Из его произведений разве только два действительно драматичны:

«Брави» (1852),

«Поединок» («La Rixe», 1855 в котором, к тому же, фигуры крупнее обыкновенного).

Наполеон III при Сольферино, 1863

Среди прочих, более спокойных бытовых картин Месонье, наиболее замечательны:

«Живописец в своей мастерской» (1843),

«Игра в пикет»,

«Три друга»,

«Игра в кегли» (1843, повторение 1865),

«Курильщик»,

«Воскресный день» (1850),

«Лютнист» (1851),

«Ожидание»,

«Любитель картин»,

«Бретер» (1857);

«Кузнец» (1861),

«Всадник перед шинком» (1862) и некоторые др.

В 1860-х гг. художник расширил круг своих задач изображением единичных фигур и сцен времён революции, а также баталическими сюжетами, но остался в них при своих прежних качествах и недостатках, как то доказывают, напр.:

«Сцена на баррикадах»,

«Большая кавалерийская атака»,

«Наполеон III при Сольферино» (1863; в Люксембургской галерее Парижа),

очень выразительный «Наполеон в походе 1814 г.»,

«Генерад Десе в рейнской армии»,

«Моро и начальник его штаба при Гогенлиндене».

Иллюстрировал Человеческую комедию Бальзака.

[править]Офорты

Кроме картин Месонье неоднократно выставлял в парижских салонах портреты, в которых однако его талант отражается не особенно ярко. Занимаясь также гравированием, он создал несколько офортов собственной композиции, замечательных по мастерству рисунка и деликатности исполнения.

Офорты с его картин известны также в исполнении гравёра Жюля Жакмара.

Майолика (от итал. Maiolica — Мальорка) — разновидность керамики, изготавливаемой из обожжённой глины с использованием расписной глазури. В технике майолики изготовляются как декоративные панно, наличники, изразцы и т. п., так и посуда и даже монументальные скульптурные изображения.

Производство керамических изделий из обожжённой цветной глины с крупнопористым черепком, покрытых глазурью, существовало уже несколько тысячелетий назад в Египте, Вавилоне и других странах Древнего Востока. В средневековье данная техника проникла из стран Средней, Центральной и Передней Азии на Иберийский полуостров (см. мудехар, азулежу).

Украшенный поливной глазурью наличник (Россия, XVII век)

В Италию майолика попадала из мавританской Испании через остров Мальорку, от названия которого и произошёл термин «майолика». Техника получила распространение в Италии в XIV в. и достигла расцвета в XVII в. Во Флоренции эпохи Возрождения Лука делла Роббиа и его племянник Андреа стали применять технику майолики к скульптурным рельефам и круглой пластике.

Помимо флорентийского («роббианского») стиля, по всей Европе славились своими изделиями мастерские Фаэнцы, Кафаджоло, Сиены, Урбино, Кальтаджироне, Кастельдуранте и Деруты. Несколько позднее майолика получает развитие в Германии, Франции и других европейских странах.

В России расцвет майоликового производства пришёлся на XVIII век. Наиболее известные центры производства — московский завод Гребенщикова, выпускавший изделия с монохромной росписью, и мастерские в подмосковном поселке Гжель, где в то время преимущественно использовалась многоцветная техника. Другим крупным центром майолики ещё в XVII веке был Ярославль, где производились поливные изразцы для украшения стен храмов и интерьеров домов.

К технике майолики обращались многие выдающиеся художники, в частности русские живописцы «серебряного века» М. А. Врубель, В. М. Васнецов, А. Я. Головин и С. В. Малютин, а также западные модернисты, в частности Ф. Леже и П. Пикассо, М. К. Эшер.

В XVIII веке были распространены два типа стекла — бесцветное, которое называли «цесарским» или «немецким», и зеленое бутылочное — его именовали «черкасским» или «украинским». Изготавливали бутылочное стекло из неочищенного, с примесью железа песка, оттого и цвет темно-зеленый. Названия эти появились не случайно: много веков назад в Московию приглашали иноземных мастеров стекольного дела и мастеров с Украины. Шло время, на Руси появились свои умельцы, а названия «черкасское» и «цесарское» по традиции сохранялись.

Эти растительные и анималистические мотивы очень устойчивы: их можно проследить в течение всего столетия. Сюжетные композиции — исторические, библейские, жанровые — предлагают нам художники прошлого...



Фарфор впервые был получен в 620 г. в Китае. Способ его изготовления долго хранился в секрете и лишь в 1708 г. саксонским экспериментаторам Чирнгаузу и Бёттгеру удалось получить европейский фарфор.

Попытки отрыть секрет восточного фарфора продолжались в течение почти двух столетий в Италии, Франции и Англии. Однако в результате получались материалы, отдалённо напоминавшие фарфор и более близкие к стеклу.

Иоганн Фридрих Бёттгер (1682—1719 гг.) начал проводить опыты по созданию фарфора, которые в 1707/1708 году привели к созданию «rothes Porcelain» (красного фарфора) — тонкой керамики, яшмового фарфора.[2]

Однако настоящий фарфор ещё предстояло открыть. Химии как науки в её современном понимании ещё не существовало. Ни в Китае или Японии, ни в Европе сырьё для производства керамики ещё не могли определить с точки зрения химического состава. То же касалось использовавшейся технологии. Процесс производства фарфора тщательно задокументирован в записках о путешествиях миссионеров и купцов, но из этих отчётов не могли быть выведены использовавшиеся технологические процессы. Известны, например, записки священника-иезуита Франсуа Ксавье д'Антреколя (англ.)русск., содержащие секрет технологии производства китайского фарфора, сделанные им в 1712 году, но ставшие известны широкой общественности только в 1735 году.






Похожие:

Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconОдно из поздних течений классицизма стиль ампир (первая четверть...
Из новых типов мебели к достижениям классицизма можно отнести письменные столы и секретеры с надстройками в виде шкафов для хранения...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconРококо (Rococo) - стиль в искусстве и архитектуре
Франции в во времена регентства (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconФункциональные стили современного русского языка
Стилеобразующие факторы; стиль; дифференциация стилей; жанры стилей; научный стиль; официально-деловой стиль; газетно-публицистический...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconМ стиль стиль сотрудничества конкуренции стиль компромисса стиль приспособления стиль
Долгосрочное обеспечение денежного дохода, гарантия рабочего места на длительный срок
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период icon1. Эпоха классицизма в странах Европы. Истоки, основные стилевые признаки. Классици́зм
Классици́зм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconО романах гр. Л. Н. Толстого анализ, стиль и веянiе
Я спрашиваю: в том ли стиле люди 12-го года мечтали, фантазировали и даже бредили и здоровые, и больные, как у гр. Толстого? — Не...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconОфициально – деловой стиль речи
Слово «стиль» происходит от греч stilos – «палочка». В древности и в средние века писали стержнем из металла, кости, дерева. Один...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconРоманский стиль (от лат romanus римский) художественный стиль, господствовавший...
Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в xi—xii веках (в ряде мест — и в XIII в.), один из важнейших...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период iconЦерковно-религиозный стиль
Ц. р стиль в литературе по стилистике, а также распространенное мнение, что данная сфера обслуживается не современным русским, а...
Ампи́р (от фр empire style «имперский стиль») стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период icon1. Стиль как категория эстетики
Понятие «стиль» многозначно, им пользуются разные науки (литературоведение, искусствоведение, лингвистика, культурология, эстетика)....
Вы можете разместить ссылку на наш сайт:
Школьные материалы


При копировании материала укажите ссылку © 2020
контакты
userdocs.ru
Главная страница