История развития


НазваниеИстория развития
страница2/40
Дата публикации08.03.2013
Размер6.07 Mb.
ТипДокументы
userdocs.ru > Туризм > Документы
1   2   3   4   5   6   7   8   9   ...   40
^

Дадаизм в изобразительном искусстве


В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж — технический приём создания произведения из определённым образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т. д. В дадаизме можно выделить три ветви развития коллажа: цюрихский «случайный» коллаж, берлинский манифестационный коллаж и кёльнско-ганноверский поэтический коллаж.

  1. Авангардизм. Основные принципы течения и представители .

Аванга́рд (фр. Avant-garde [МФА (фр.): [avɑ̃ɡaʁd]] — «передовой отряд») — обобщающее название течений в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков, выраженное в полемически-боевой форме. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественномутворчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, подчёркнутымсимволизмом художественных образов.

Понятие авангард эклектично по своей сути. Этим термином обозначают целый ряд школ и направлений в искусстве, порой имеющих диаметрально противоположную идейную основу.


Авангардизм – (от франц. – передовой отряд) – движение художников XX в., для которого характерно стремление к коренному обновлению художественной практики, разрыву с ее устоявшимися принципами и традициями и поиску новых, необычных содержания, средств выражения и форм произведения, взаимоотношения художников с жизнью. 

В противоречивости движений А. преломились острейшие социальные антагонизмы эпохи, отразились растерянность и отчаяние перед лицом общественных катастроф и стремление отыскать новые способы эстетического воздействия на реальную жизнь, в большинстве случаев приводившие к утопическим идеям. Авангардисты понимают искусство как своего рода магическое средство воздействия на социальное устройство общества. Черты авангардизма проявились в ряде школ и течений модернизма, который интенсивно развивался в период 1905-1930-х гг. как в России, так и в Европе (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, абстракционизм). 

Одним из представителей А. был В. Кандинский (1866-1944). Имя художника связано с зарождением абстракционизма. Он был его основоположником. Свои пейзажи он писал крупными пятнами, ограничивая каждое темным контуром. В работах усилена декоративность, плоскостность, фрагментарное изображение. Художник стремится обрести способность свободного выражения чувств. Но обычная привязанность к предмету мешает ему. Однажды он понял, что цвет, линии, складывающиеся в различные ритмические фигуры, сами по себе рождают эмоции, создают настроение. Он ставит перед собой задачу: «Духовным взором проникнуть в глубину мироздания». Отказавшись от предметного изображения, Кандинский разрабатывает три типа абстрактных картин: 

• импрессия (рождается от впечатления от «внешней природы»); 
• импровизация (выражаются процессы внутреннего характера); 
• композиция. 

Искусство Кандинского трудно для восприятия. Из его работ наиболее известны: «Прогулка» (1903), «Озеро» (1906), «На белом» (1910), «Черное пятно» (1912), «Сумеречное» (1914) и др. 

Другим представителем А. является К.С. Малевич (1878-1935). Этот художник много экспериментировал, создавая близкие к кубизму, но насыщенные интенсивным цветом композиции, в которых предметная форма конструировалась из цилиндрических и конусовидных элементов («На сенокосе»); практически беспредметными были его опыты в духе футуризма («Станция без остановки»). 

Казимир Малевич пытался разработать собственную систему абстрактного искусства, основанную на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета. Самое известное произведение художника – «Черный квадрат». Эта работа стала своего рода манифестом беспредметного искусства. 

Среди ярких представителей литературного авангарда в России необходимо назвать Велимира Хлебникова, Владимира Маяковского и Даниила Хармса. Этих литераторов отличал от других художников и поэтов особый, экстравагантный способ подачи поэтического и драматического материала. В «Словаре культуры 20 века» Вадим Руднев различает модерн и авангард. Он пишет о том, что модернисты, а это такие писатели, как Джойс, Пруст, Кафка, были способны «запереться в кабинете и писать в стол». В этом смысле модернисты – классические шизофреники и аутисты, люди, надеющиеся на то, что ктото когда-то их прочтет и оценит. Авангардисты же в этом случае не способны ждать от публики признания своего таланта. Они разрабатывают свою собственную, эксцентричную риторику, действующую непосредственно сейчас и немедля. В этом смысле они значительно революционнее модернистов. 

Соглашаясь с данным принципом членения искусства на авангард и модерн, отметим, что в ряде случаев невозможно строго определить, кто есть кто. Например, испанский режиссер Люис Бюнюэль соединяет в своем творчестве и в своей жизни как элементы авангарда, так и принципы модерна (и даже – постмодерна). Сальвадор Дали – классический авангардист, но в настоящее время репродукции его картин используют для оформления школьных российских тетрадей. Это указывает на включение авангарда в массовую и популярную культуру. Авангардными и постмодернистскими называют фильмы А.Тарковского, хотя по философской ориентации Тарковский – типичный модернист. 

  1. Футуризм в живописи. Основные признаки. Проявление футуризма в архитектуре.

Футури́зм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России.

Автор слова и основоположник направления — итальянский поэт Филиппо Маринетти (поэма «Красный сахар»). Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. 20 февраля 1909 г. в газете «Фигаро» Маринетти опубликовал «Манифест футуризма». Он был написан для молодых итальянских художников. Маринетти писал: «Самые старые среди нас — тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придёт новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора…»). В манифесте Маринетти провозглашается «телеграфный стиль», что, в частности положило начало ещё иминимализму[источник не указан 401 день].

Помимо Маринетти, основоположниками футуризма были БаллаБоччониРуссолоКарло КарраДжино Северини. В 1912 г. в Париже состоялась первая выставка художников-футуристов.

Для футуризма характерны отказ от традиционной грамматики, право поэта на свою орфографию, словотворчество. Скорость. Ритм. Свои картины они посвящали поезду, автомобилю, самолётам (см. аэроживопись). Словом, все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Мотоцикл был объявлен более совершенным творением, нежели скульптуры Микеланджело. Маринетти говорил: «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слёзы женщины», «Новое искусство может быть только насилием, жестокостью».

Провозглашается пафос разрушения и взрыва. Воспеваются войны и революции, как омолаживающая сила одряхлевшего мира. Можно рассматривать футуризм как своеобразный сплав ницшеанства и манифеста коммунистической партии. Динамика движения должна прийти на смену статике позирующих скульптур, картин и портретов. Фотоаппарат и кинокамеразаменят несовершенство живописи и глаза.

В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.

Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали,скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

Множество стилей в архитектуре и дизайне имеют философскую подоплеку. Один стиль ломает традиции, другой наоборот является попыткой вернуться к прошлому. Но стили могут приходить и уходить – мода скоротечна, и на смену одному увлечению приходит другое. И вот на смену готике приходит ренессанс, а на смену модерну приходит конструктивизм. Все это так и жизнь течет. Но есть стили, которые можно назвать вечными. И в литературе, и в изобразительном искусстве, и в дизайне интерьеров.
Один из таких стилей – футуризм. Культ будущего и попытка подняться над настоящим. Этот стиль называют одним из направлений авангарда. На мой взгляд, такая трактовка не является до конца верной. Футуризм – это не просто одно из направлений в искусстве, это нечто большее. Это явление еще не до конца оцененное, хотя его результаты почувствовало на себе все человечество. Основателем этого направления называют итальянского писателя, поэта и философа Филиппо Томмазо Маринетти. В своем «Манифесте футуризма» он сформулировал философию этого явления, которое определило направления в искусстве, но не только. Именно ему мы должны быть «благодарны» за такое явление, как фашизм. Вот ведь парадокс – поэзия и искусство с одной стороны, а с другой крайне неприятное явление «фашизм». Но такова уж природа футуризма, который в своем экстремальном проявлении полностью отрицает все прошлое, слабое и на взгляд апологетов учения, все нежизнеспособное.  Иногда футуризм называют крайним проявлением Ницшеанства. Но не будем о грустном.

Футуризм  не только фашизм, но и направление в искусстве, дизайне и архитектуре. Что отличает его от других стилей – это алгоритм развитие в него заложенный. Ведь, по сути, футуризм не может устареть, не может остановиться. Это стиль развивается вместе с обществом, опережает это развитие. В нашу жизнь приходят новые технологии, появляются новые материалы, меняется представление об окружающем мире и также меняется наше представление о будущем. Посмотрите на картины художников 20 годов, как они представляют будущие города и их архитектуру – практически, это Токио, Гон Конг, Москва Сити сегодня. Вспомните фильм «Аэлита»  или «Гостья из будущего», про американское видение будущего не говорю – сплошной Апокалипсис и руины – будущее у них довольно туманно и нерадостно. Все таки, наша страна всегда шла впереди в искусстве и архитектуре.

Мы вслед за итальянцами шли вперед, и именно в России на сломе эпох, футуризм расцвел и ни куда не делся. Хотя соцреализм и был основным направлением во всем, футуристические идеи просто переместились в другую плоскость – фантастика, кино, изобразительное искусство. Да и действительно, это направление не может выйти из моды, пока человек мечтает о будущем. Хотя советские правители этого и не понимали. Гонения на футуристов были самым обычным явлением. Именно поэтому, наверное, в нашей стране фантастика была в таком загоне. Гонения на футуризм в Советской России объясняются очень просто – наши идеологи хотели контролировать души во всем. А как ты можешь контролировать мечты? Ну не получается влезть в эту область человеческого сознания. Можно приземлить наши мечты, можно заставить мечтать о куске колбасы или о машине и телевизоре. Можно заставить фантастов писать о светлом коммунистическом будущем. Но это идеология. А как быть с архитектурой, с одеждой, с интерьерами – вот тут-то и появляется брешь. Ну не можешь ты сказать и указом или законом определить, что должны носить через 100 лет. Лучше это все накрыть тенью и не обращать внимания. Как и поступали все коммунистические вожди времен развитого социализма. А футуризм потихоньку развивался, правда, уже не в нашей стране. Буржуазное искусство, как уже не раз говорилось, потребляет все – все стили и направления. И приспосабливает, и адаптирует под цели общества потребления. Есть потребность в мечтах о будущем – востребованы художники, архитекторы, дизайнеры. Нужны новые идеи оформления машин – привлекаются в конструкторские и дизайнерские компании молодые и талантливые футуристы.  И вот на автосалонах появляются концепт-кары, которые с полным основанием можно назвать футуристическими, а мы производим до сих пор «Жигули» старых моделей, и по какой-то непонятной логике называем их классикой. Об архитектуре можно и не говорить – наша страна, в которой многие, модные сейчас, стили появлялись и развивались, безнадежно отстает от мира. Если и появляются идеи, то их не видно. Как говорится в одном анекдоте:
- Хотели создать современную сенокосилку, а получилась, как всегда, ракетная установка.

Для большинства архитектурных или художественных стилей можно выделить несколько свойств или особенностей, единых для всех произведений, выполненных в этом стиле. С футуризмом все намного сложнее. Современный футуризм можно охарактеризовать, как отказ от прошлого, его форм и канонов. Есть лишь одна общая особенность, которую можно определить, как скорость, движение вперед. Но это скорее философские категории, чем художественные. Именно движение вперед на скорости закладывалась, как основа стиля его основателем Маринетти.

В остальном же трудно сказать что о стиле – все произведения различны и меняются с развитием общества, как меняются наши взгляды и представления о будущем. Так и появляются ответвления стиля: Ретро Футуризм, Эко Футуризм,  Индустриальный Футуризм. Вообще, иногда некоторые исследователи говорят о футуризме, как о приставке к определенному стилю. Например: Футуристическая классика или Футуристический Модерн. Встречал пару раз такие вот обороты. Но скорее всего это неправильно. Футуристический стиль – это стиль без начала и конца, как время или движение. Для пещерного человека, хижина была футуристическим объектом, а для древнего грека Александрийский Маяк не менее футуристичен.  Ниже мы попробуем представить вашему вниманию примеры стиля в различных областях:

Футуризм проявляется в архитектуре постоянно. Это и общественные здания и индустриальный дизайн. Особенно интересны футуристические проекты частных домов и коттеджей. В России этот стиль в частной архитектуре не так представлен, а вот на западе этот получил повсеместное развитие. Особенно в США.

  1. Основоположники течения « Хай-тек» в искусстве.

Ответ на вопрос, что такое хай-тек, заключен уже в самом названии. Течение, в переводе с английского означающее «высокие технологии», возникло в Великобритании в 70-х годах прошлого века.

Пережив целую бурю отзывов – от восторгов до резкого неприятия – стиль, проявившийся главным образом в архитектуре мегаполиса, по сей день продолжает оставаться востребованным. В том числе и в жилом интерьере.

Считается, что хай-тек – это эстетика, прямо противоположная стилям, в которых используются преимущественно натуральные материалы. Здесь в основе принципа формирования окружающей среды традиционно лежат сборные технические детали, стекло, металл и бетон, а также различные пластики и прочие искусственные покрытия.

В интерьере хай-тека априори не может быть «теплых» предметов, которые и создают уютную домашнюю обстановку. Все строго, достаточно минималистично и… чрезвычайно дорого. Это естественно – ведь эстетика грубой простоты промышленных помещений, перекочевав в жилую среду, не могла пользоваться теми же средствами и материалами и потребовала для воплощения своих идей все самое лучшее и современное.

В этом смысле хай-тек часто называют не столько стилем, сколько уровнем, определяющим стандарт высочайших технологий. Например, та же Эйфелева башня, которую мы по времени ее создания привыкли ассоциировать с эпохой модерна, представляет собой произведение хай-тека, поскольку является смелым экспериментом, в котором использован максимум возможностей технологий и материалов своего времени.

Эстетика хай-тека – совершенно особая, она идет вразрез с традиционными представлениями о высоком искусстве. С одной стороны, это дизайн, созданный с помощью брутальных материалов, таких, как железобетон или массивные металлические конструкции. 

С другой – это стиль абсолютно изящный, построенный на сочетании хромированных поверхностей, стальных тросов, конструктивно выразительных технических элементов, конечно же, стекла, глянцевого пластика и т. д.

Красота хай-тека заключается в том, что какой-нибудь болт или кронштейн, имеющий на первый взгляд лишь сугубо практический смысл, оказывается, может оставлять ощущение несомненного эстетического удовольствия. С архитектурой понятнее: здесь автор добивается визуального совершенства благодаря новым первоклассным материалам, например какому-нибудь пылеотталкивающему стеклу или хромированной стальной колонне, тросам, подвешенным к далеко разнесенным опорам, которые обязательно настраивают сознание на чрезвычайно дорогое и солидное сооружение.

В интерьере следует творить с обязательной поправкой на среду. Несмотря на присутствие конструкций, характерных для промышленного дизайна, которые зачастую даже не несут функциональной нагрузки, а выступают просто выразительным элементом, главное – максимально использовать пространство, которое (увы) ограничено и (ура!) предназначено для жизни. Поэтому классический хайтековский дизайн интерьера – это прежде всего гимн материалу и воплощенному с его помощью рациональному обустройству помещения. Почти как в кабине космического корабля, где нет ничего лишнего и неоправданного с практической точки зрения, где каждая деталь необходима и все максимально удобно для пользования.

Хай-тек (англ. hi-tech, от high technology — высокие технологии) — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах постмодернистской архитектуры в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Основоположники и самые яркие представители — Ричард Роджерс, Ренцо Пиано, Норман Фостер.

хай-тек это передовые технологии…

ой… всякий бред… предметы полуквадратной формы, цветовая гамма однотипная, никакой тебе радости жизни….

Основные черты (высокие технологии)

Использование прямых линий и простых фигур.
Широкое применение стекла, пластика, металла.
Трубчатые конструкции из металла и лестницы, выведенные наружу здания.
Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения.
Широкое использование серебристо-металлического цвета.
Высокий прагматизм в планировании пространства.
Частое обращение к элементам конструктивизма и кубизма (в противоположность био-теку).
В виде исключения жертвование функционалом в угоду дизайну и стилю хай-тек.


7. Художники и графики Казахстана. Творчество, стили, известные

художественные произведения.

Абильхан Кастеев (каз. Әбілхан Қастеев1904, аул ЧижинСемиреченская областьРоссийская империя (ныне Алматинская областьКазахстан) — 1973) — казахский живописец и акварелист, народный художник Казахской ССР, основоположник казахского изобразительного искусства.

Родился в ауле Чижин возле города Джаркент (ныне Алматинская область).

С 1929 по 1931 годы Кастеев учился в художественной студии Николая Гавриловича Хлудова (жившего тогда в Казахстане).

Затем с 1934 по 1937 годы он продолжил учёбу в Москве, в художественной студии им. Крупской.

Был де­путатом Вер­ховно­го Со­вета Ка­захс­кой ССР 4—5-го со­зывов.

Умер 2 ноября 1973 года, по­хоро­нен в Ал­ма­ты.

^ Наиболее известные работы:
«Колхозная молочная ферма», «Доение кобылиц», «Уборка хлопка», «Колхозный той», «Насильственный увоз невесты», «Купленная невеста», «Золотое зерно», «Аксайский карьер», «Высокогорный каток Медео», «Турксиб», «Долина Таласа», «Капчагайская степь».

А также портреты: Кенесары КасымоваАбаяЧокана ВалихановаЖамбыла. Лучшим его портретом считается — «ПортретАмангельды Иманова».

Многие работы Абильхана Кастеева можно увидеть в Казахской художественной галерее им. Т. Г. Шевченко и Государственном музее искусств Республики Казахстан в Алматы [1].

^ Сахи Романов

Родился в Кзыл-Ординской области в 1926 г. Занятия изобразительным искусством начал в Куйбышеве в годы войны. Затем учился в Московской художественной школе,  в 1955 году окончил художественный факультет Всесоюзного института кинематографии в Москве. С 1955 года Сахи работает на киностудии «Казахфильм». 

Имя Сахи Романова широко известно за пределами Казахстана. Основная его специальность - художник кино, также он известен как живописец и  график.  Разделить творчество художника на станковое и киноискусство невозможно. Оно цельно и едино,  в каком бы виде или жанре оно не проявлялось, отмечено печатью самобытности и образной яркости. Творчество художника, в настоящее время находящегося в расцвете сил, является ярким вкладом в сокровищницу  изобразительного искусства Казахстана.

^ Основные работы.  Серия иллюстраций к казахской народной сказке «Сорок кобылиц» (1955), серия «Жизнь и творчество Курмангазы» (1960), «Вечер над джайляу» ( (1957), «Песнь труда» (1958), «Юность» (1960), «Народные мастерицы» (1964), «Беседа» (1965), серия этюдов «Уш-Конгыр» (1960), «Баянаул» (1964), «Портрет О. Сулейменова» (1965), графические серии «Прошлое казахов» (1965),   «Сцены из жизни» (1965-1971),  «Суук-Тобе», «Мангышлак»  (1967), «Джамбул», «Гурзуф»  (1968),  «Торайгыр» (1969), «Аяк-Калкан» (1969), «Кюй. Освобождение из цепей», «Клятва. Декрет о земле»,  «Под небом Родины», «Турсуна», «Портрет Ш. Айманова», «Автопортрет» (1973),  триптих «Хлеб» (1980).

 Эскизы к кинофильмам «Мы здесь живем» (1957), «Дорога жизни» (1959), «Следы уходят за горизонт» (1962), «И в шутку, и всерьез» (1963),  «Безбородый обманщик» (1964),  «Дорога в тысячу верст» (1967), «У подножья Найзатаса» (1969), «Погоня в степи» (1978).

Художник Исмаилова Гульфайрус 

(Ismailova, Gulfajrus. Род. 1929) казахстанский театральный художник и живописец, актриса кино, народный художник Казахстана (1987 г.), заслуженный деятель искусств Казахстана (19б5 г.). Родилась в г. Алма-Ате. Училась в Алматинском художественном училище (A. Черкасского, 1944 г.), Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Репина, (у М. Бобышова; театрально-декорационное отделение живописного факультета, 1950-1956 гг.). Живет и работает в г. Алматы. В 1956-1957 гг. Исмаилова преподает в художественном училище. Работает в области театрального искусства, станковой живописи, кино. Снялась в 7 полнометражных художественных фильмах. С 1957 г. - член Союза художников Казахстана. Художник-постановщик фильма Султана Ходжикова "Кыз Жибек", получившего на V Всесоюзном кинофестивале приз за лучшее художественное оформление. Первую живописную картину "Казахский вальс" знаменитого портретного триптиха, написала в 29 лет. В течение 16 лет Исмаилова - художник-декоратор Казахского национального театра оперы и балета им. Абая (Алма-Ата). Автор эскизов декораций и костюмов: к операм Е. Брусиловского "Ер-Таргын ", С. Мухамеджанова "Жумбак-кыз", Пуччини "Чио-Чио-Сан ", Е. Рахмадиева "Алпамыс", Россини "Севильский цирюльник", Римского-Корсакова "Царская невеста", П. Чайковского "Иоланта", Верди "Риголетто"; к кинофильму "Кыз-Жибек"; к драме Г. Мусрепова "Козы- Корпеш и Баян-Слу"; к балетам Б. Астафьева "Бахчисарайский фонтан ", П. Чайковского "Лебединое озеро ", И. Штрауса "Прощание с Петербургом". Живописные работы: "Портрет Народной артистки Казахстана Шары Жиенкуловой" (1958 г.), "Портрет Народной артистки Казахстана Шолпан Джандарбековой" (1960 г.), "Портрет Куляш Байсеитовой" (1962 г.), "Портрет Дины Нурпеисовой" (1965 г.), триптих "Народная мастерица" (1967 г.), "Портрет А. Кастеева" (1967 г.), "Портрет М. Ауэзова", "Портрет С. Муканова" (1969 г.), "Автопортрет с семьей" (1978 г.) и др. Автор около 100 портретных и живописных произведений. Характерная особенность многих ее произведений - декоративность, столь созвучная традициям казахской художественной культуры. Участница выставок в России, ГДР, Англии, Югославии, Италии, Испании, Японии, Франции. Вдова известного художника Евгения Сидоркина, мать художника Вадима Сидоркина. Творчество Исмаиловой - одна из наиболее ярких страниц в развитии изобразительного искусства Казахстана. 

  1. Живопись России XIX века. Основные течения и представители.
1   2   3   4   5   6   7   8   9   ...   40

Похожие:

История развития icon1. Из истории развития автомобильных дорог
И она, эта история, открывает нам одну из своих великих тайн — via est vita, что на латыни означает: дорога — это жизнь. Действительно,...
История развития iconПсихолого-социальный институт С. С. Новикова история развития социологии...
Н73 История развития социологии в России: Учеб пособие. — М.: Издательство «Институт практической психоло­гии», Воронеж: нпо «модэк»,...
История развития icon6. История развития программного обеспечения
Развития операционных систем: dos, Windows, Unix, Linux, NetWare, Macintosh, Android и других. Осветить истории развития основных...
История развития iconЯрослав Пеликан Христианская традиция: История развития вероучения....
Ярослава Пеликана «Христианская традиция: История развития вероучения» (1971-1989) осуществлено в рамках совместного научно-издательского...
История развития icon§ Краткая история возникновения и развития правового регулирования...
История становления и развития правового регулирования земельных правоотношений отражает использование земли как средства производства...
История развития iconТемы и перечень вопросов лекций Лекция История развития системы муниципальных документов в XVI н
Лекция История развития системы муниципальных документов в XVI – н. XX в. – 2 часа
История развития iconИстория развития массажа
Массаж зародился на ранних этапах развития народной медицины. В древности люди при различных недугах и болях применяли растирание,...
История развития iconВопросы к экзамену по дисциплине «Аудит и контроллинг персонала»
История развития аудиторской деятельности. Направления, тенденции и проблемы развития аудита персонала в России
История развития iconМатериал для теста №1 (история)
История есть наука, изучающая конкретные факты в условиях именно времени и места, и главной целью ее признается систематическое изображение...
История развития iconВопросы к экзамену по курсу «Политическая история России и зарубежных стран» (ч. 1)
Политическая история как отрасль исторического знания. Основные теории исторического развития
Вы можете разместить ссылку на наш сайт:
Школьные материалы


При копировании материала укажите ссылку © 2020
контакты
userdocs.ru
Главная страница